Salvador Dalí (Wikipedia)

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,¹ marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.^{2 3} Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.⁴ Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»,⁵ que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD 

Galería

Artista (Vocabulario)

Artista

1. com. Persona que se dedica a algún arte o realiza obras de arte:
   los artistas del Renacimiento.
2. P. ext., persona que actúa ante el público en un espectáculo musical, teatral o cinematográfico:
   en esta película salen muchos artistas famosos.
3. Artesano, persona que ejerce un oficio:
   artista fallero.
4. Persona que hace alguna cosa con suma perfección:
   es un artista de la cocina.

Artista

• artífice, Creador, autor, inventor
• virtuoso, ejecutante, actor, comediante, protagonista, estrella

 

Francisco de Goya (Wikipedia)

Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828)¹ fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.

Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Goya

Galeria

Cultura, Sociedad e Individuo (Resumen)

 

1. El concepto de cultura es uno de los más importantes en sociología. La cultura tiene que ver con las formas de vida de los miembros de una sociedad o de sus grupos.
 

Comprende el arte, la literatura y la pintura, pero también otras manifestaciones más generales. Por ejemplo, otros elementos de la cultura son la forma de vestir de las personas, sus costumbres, pautas laborales y ceremonias religiosas.

2. La cultura es lo que, en gran parte, nos hace humanos. Sin embargo, como seres humanos, también compartimos una herencia biológica común. La especie humana surgió como resultado de un largo proceso de evolución biológica. El ser humano forma parte de una de las divisiones de los mamíferos superiores, los primates, con los que tiene en común muchascaracterísticas psicológicas.

3. La sociobiología es importante principalmente por lo que nos dice acerca del comportamiento animal; las ideas sociobiológicas acerca de la vida social humana son muy especulativas. La genética influye en nuestro comportamiento pero nuestro bagaje genético probablemente sólo condiciona las potencialidades de nuestro comportamiento, no el contenido real de nuestras actividades.

4. Los seres humanos no tienen instintos, considerados éstos como pautas complejas de comportamiento no aprendido. Un conjunto de reflejos simples, junto a una serie de necesidades orgánicas, son características innatas del individuo humano.

5. Las formas de comportamiento que se encuentran en todas, o casi todas, las culturas se denominan universales culturales. El lenguaje, la prohibición del incesto e instituciones como el matrimonio, la familia, la religión y la propiedad son las principales clases de universales culturales pero, dentro de estas categorías generales, existen muchas diferencias de una sociedad a otra en cuanto a los valores y formas de comportamiento.

6. Aprendemos las características de nuestra cultura a través de la socialización, que es el proceso por el cual, mediante el contacto con otros seres humanos, el indefenso bebé se va convirtiendo gradualmente en una persona consciente de sí misma, con conocimientos y diestra en las manifestaciones de una cultura dada.

7. La obra de Sigmund Freud sugiere que el niño pequeño aprende a ser un ente autónomo sólo cuando aprende a equilibrar las exigencias del entorno con los deseos apremiantes provenientes del inconsciente. Nuestra capacidad de autoconciencia se construye, penosamente, sobre la represión de los impulsos inconscientes.

8. Según G. H. Mead, el niño percibe que es un agente independiente viendo a otros comportarse con él de una manera normal. En un estadio posterior, al entrar en los juegos organizados y aprender sus reglas, el niño llega a comprender al "otro generalizado", es decir, los valores generales y las reglas morales. 

9. Jean Piaget distingue varias fases básicas en el desarrollo de la capacidad del niño para dar sentido al mundo. Cada una de ellas supone la adquisición de nuevas capacidades cognitivas y depende de la conclusión satisfactoria de la anterior. Según Piaget, estas fases del desarrollo cognitivo son rasgos universales de la socialización.

10. La socialización continúa durante todo el ciclo vital. En cada una de las fases de la vida hay que realizar una serie de transiciones y superar ciertas crisis. Esto incluye enfrentarse a la muerte como la conclusión de la existencia personal.

Fuente: Manual de Sociología, Giddens

El Arte es Terapéutico (laguia2000.com)

La práctica de una labor artística es un estado de meditación y brinda la posibilidad de expresar el mundo interior.

Cada manifestación muestra lo racional y lo emocional de un artista, tanto cuando se atreve a ser espontáneo como cuando decide a ser meticuloso y detallista hasta el límite; y cada una de sus obras representan su propio universo.

El arte de crear formas a través de la pintura provoca un aluvión de imágenes que no se detiene, lo mismo pasa con la música y con la literatura.

La vida se convierte para un pintor en una tela mental perpetua; para el músico en un pentagrama y para el escritor en un océano de palabras.

El artista no tiene que pensar, al contrario tiene que dejarse llevar por sus intuiciones y aprender a desarrollar su percepción; y necesita la suficiente sensibilidad para ver las esencias detrás de las apariencias.

Un artista debe tener algo que decir y necesidad de expresarlo. Su obra se convierte en un mensaje, su modo de ver el mundo, su propia filosofía de la vida.

Pero también cada uno de sus trabajos reflejan sus angustias, ansiedades, sus miedos, sus conflictos y su propia autoestima.

Nada es más elocuente que un dibujo. Qué es lo que se dibuja, a quiénes, dónde, el tamaño, la simbología, el trazo, los colores, las formas y la armonía, tienen un significado personal que pone en evidencia la interioridad.

Un artista puede expresar la vida como cree que es, como cree que debería ser o como cree que jamás podrá ser cuando su imaginación lo lleva a crear mundos fantásticos.

El artista crea universos según su perspectiva y trata de entablar un diálogo con el observador en un lenguaje simbólico propio, convirtiendo a su trabajo en un disparador de emociones.

El arte permite trascender la realidad y elevarse sobre lo cotidiano, penetrar en territorios inexplorados y descubrirse a si mismo.

El artista es un visionario, porque si es pintor, puede ver en una tela en blanco su obra terminada, si es músico es capaz de escuchar completa su composición musical antes de haberla escrito y si es escritor, de conocer toda la historia que imaginó aún no narrada; porque en la imaginación está toda futura tarea plasmada.

La imaginación siempre superará la obra terminada que es lo que incentivará al artista a continuar buscando la perfección deseada.

El arte permite concentrarse y no dispersarse en pensamientos inútiles o preocupantes. Es un espacio subjetivo que no se puede compartir con nadie, porque exige soledad, silencio y apartarse de lo mundano para poder penetrar en el mundo mágico de las ideas innatas.

El arte tiene un contenido profundo cuando logra trascender lo superficial y la persona se atreve a ser sincera. 

Representa el descubrimiento de un lenguaje propio, una identidad y un estilo; porque un artista, cuando se atreve a ser auténtico, logra evadirse de las influencias, adquirir fuerza y ver todo más claro. 

Puede reflejar en su obra su verdad y encontrarse a si mismo, cuando descubre que en su interior están las respuestas a sus interrogantes.

Puede ser libre y abrir su mente cuando se da cuenta que todo depende sólo de él y de sus propias ideas, que la verdad está adentro y no afuera y que el mejor lugar del mundo es su propia casa.

Fuente: Lee todo en: El Arte es Terapéutico | La guía de Psicología http://psicologia.laguia2000.com/psicologia-clinica/el-arte-es-terapeutico#ixzz2yDqbkVMj

El Arte (laguia2000.com)

El sentido estético se puede llegar a aprender pero forma parte de nuestras habilidades innatas.

Se podría llegar a desarrollar la percepción de la armonía, pero en general cuando se da esta condición en forma natural no exige esfuerzo alguno y esto es lo indicado para dedicar la vida a profesiones u oficios que necesitan de esta aptitud.

 

La pintura, la escultura, la decoración, la arquitectura, el diseño industrial, el dibujo, la música, la poesía, son actividades ideales para las personas que tienen sentido estético.

Representa la búsqueda de la belleza y las condiciones que hacen posible que los objetos luzcan bellos. Aunque no se persigue la belleza como patrón convencional sino su estética, es decir su significado, su relación con las cosas, su armonía y su orden.

La naturaleza tiene esas características y el hombre tiene la capacidad de recrearla y reproducirla a través de la manifestación artística.

En cada época existieron ciertas normas estéticas que todo artista se empeña en respetar, porque de algún modo manifiestan el momento histórico, hasta que surge un genio que da por tierra con esas pautas existentes y es en ese momento en que nace un nuevo movimiento que expresa el inicio de una nueva era.

El arte es una forma de conocimiento. Todo artista percibe la realidad de una manera diferente al común de la gente y es una forma de conexión con lo trascendente. 

Para algunos filósofos idealistas, el arte es la manifestación de la idea. Los notables artistas del Renacimiento expresaban con la pureza formal su identificación con la naturaleza tratando de captar la perfección que subyace en ella.

Posteriormente, el sentido estético en el arte expresó los valores, los significados, las intuiciones, las revoluciones sociales, lo realista, lo formal y lo abstracto, expresando el desarrollo de la historia.

Los críticos de arte se basan principalmente en el análisis del cumplimiento o no, por parte del autor, de las normas existentes, para evaluar las producciones artísticas, además de su significado, la armonía, los colores, y la capacidad de la obra de conmover a los observadores. Pero también existe un mecanismo de comercialización que se maneja con las mismas reglas de mercado como cualquier otro producto.

El sentido estético busca la buena forma, en términos de la teoría de la Gestalt, completa lo incompleto, perfecciona lo imperfecto y ve la belleza en cada manifestación de la realidad aunque se trate de fenómenos dolorosos.

 

Un esteta ve el orden en el desorden lo esencial de lo aparente y trata de descubrir las verdaderas formas del caos.

Miguel Angel señalaba que sus esculturas ya estaban presentes en el mármol y él sólo las descubría.

La producción artística adquiere valor cuando el artista logra expresar con fidelidad su cosmovisión imprimiendo su estilo a sus obras, logrando la identificación con su obra.

Un cuento para pensar

Criptograma literario – (Ejercicio literario respetando el orden alfabético)

(Cuento distinguido como el mejor cuento de la semana, por el Foro de Cuentos del Diario La Nación.)

El Pintor de Cuadros

Alberto Vivaldi alquilaba una pieza en una casa de Valparaíso. 

Bajaba a la playa todos los veranos para vender sus cuadros.

Cuando esa mañana empezó a llover, se refugió en una casa de remates.

Detrás de un mostrador dejó sus pinturas. Encontró asiento en la última fila. Fue el mejor lugar para quedarse dormido.

Gente que vociferaba lo despertó. Había ocurrido algo inesperado. Increíblemente estaban rematando sus cuadros.

Justo cuando abrió los ojos, vio como se vendía el primero en dos mil dólares.

Kilómetros había tenido que caminar para venderlos a cincuenta pesos.

La gente parecía muy interesada. Mágicamente se vendieron todos en corto tiempo.

Ninguno lo molestó con preguntas. Ñandubay se llamaba la empresa que le pagó en total treinta mil dólares.

Olía a tierra mojada cuando salió. Parecía que todo no había sido más que un sueño.

Quiso poner el dinero en lugar seguro. Rápidamente se encaminó hacia un banco.

Salió de allí con una tarjeta de crédito en un bolsillo y dinero en efectivo en el otro.

Tomó un taxi. Ubicó un hotel cinco estrellas. Ventanales con vista al mar y terraza con jacuzzi tenía su habitación.

Walter sería desde ahora su nombre. Xamandú su apellido.

Ya no tendría que bajar a la playa para vender sus trabajos. Zambrano, el rematador, se encargaría de todo.

Fuente: Lee todo en: El Arte | La guía de Psicología http://psicologia.laguia2000.com/general/el-arte#ixzz2yDqt6ABZ

Arte V/S Creatividad (Ensayo)

 

No se dibujar, de hecho recuerdo haber dibujado un hombre que parecía un verdadero oso, pero si tengo facilidad para resolver problemas y se decorar de forma muy linda mi hogar. Muchas veces solemos confundir el concepto  de que de que para ser un artista debemos compararnos con los grandes de la historia como Mozart, Bach, Miguel Ängel, Picasso y tantos otros que tal vez tu podrias recordar mejor que yo mismo en estos momentos.

Si no puedes dibujar, pues bueno, practica. Practicas y nada, pues vuelvelo a interlar, lo has vuelto ha intentar y nada otra vez, pues cambia la técnica, nunca debemos darnos por vencidos de lo que realmente queremos y si queremos aprender algo que tal vez la sociedad intenta decirnos, pues chico no aprendas eso que es para nenitas, di no, sabes a mi me gusta, es algo que cuando lo hago siento que el tiempo pasa muy veloz y lo disfruto y tengo un talento nato, no solo las mujeres pueden aprender a cocinar o decorar y tambien no solo los hombres saben construir casas o jugar a la pelota. Todos somos únicos, todos tenemos conceptos que presentan algo muy profundo para nosotro mismos y debemos explotar ese talento hasta el fin. O si no podrias vivir toda una vida pensando, habria sido bueno pero no lo intente.

Siempre proponete retos, aunque sea pasar algún juego de video, escuchar algún ritmo nuevo, si amas el rock pesado pues escuchad new age y si amas el pop escuchad algo más tradicional como música africana, veras que algo nuevo en tu cerebro pasará. La vida es una fiesta, la vida es celebración no te quedes en el mismo lugar camina, camina y camina con tu corazón que el sabra escucharte mejor que nadie.

Bailas?, no sabes?, entonces mueve las caderas, para comenzar. 

Fuente: Yo

Los Secretos de la Creatividad, Eduardo Punset

z 

Programa sobre la creatividad

Industria Cultural (Wikipedia)

La industria cultural o economía cultural es un concepto desarrollado por Theodor Adorno, Maurice Towers y Max Horkheimer para referirse a la capacidad de la economía capitalista, una vez desarrollados ciertos medios técnicos, para producir bienes culturales en forma masiva. En una definición más amplia, es el sector de la economía que se desarrolla en torno a bienes culturales tales como el arte, el entretenimiento, el diseño, la arquitectura, la publicidad, la gastronomía y el turismo.

Orígenes del concepto

El concepto fue introducido por los teóricos alemanes Theodor Adorno y Max Horkheimer y el ingles Maurice Towers en el artículo "La industria cultural. Iluminismo como mistificación de masas", escrito por ambos entre 1944 y 1947, y publicado en el libro "Dialéctica de la ilustración. Fragmentos filosóficos" o "Dialéctica del Iluminismo", en otra traducción. Supone una mirada crítica y profundamente pesimista sobre la función de los medios de comunicación (cine, radio, fotografía), que estaba consolidándose en las sociedades desarrolladas luego de la Primera Guerra Mundial. Adorno y Horkheimer analizan especialmente la industria del entretenimiento ("amusement" en el texto) en Estados Unidos, donde se encontraban exiliados, como efecto del avance del nazismo en su Alemania de origen. Ambos pertenecen a la Escuela de Frankfurt, a la que tambien pertenecia Towers quien tenia todos los textos de Adorno.

Ambos autores expresan sus planteamientos en citas como las siguientes:

"El amusement es la prolongación del trabajo bajo el capitalismo tardío. Es buscado por quien quiere sustraerse al proceso del trabajo mecanizado para ponerse de nuevo en condiciones de poder afrontarlo. Pero al mismo tiempo la mecanización ha conquistado tanto poder sobre el hombre durante el tiempo libre y sobre su felicidad, determina tan íntegramente la fabricación de los productos para distraerse, que el hombre no tiene acceso más que a las copias y a las reproducciones del proceso de trabajo mismo. El supuesto contenido no es más que una pálida fachada; lo que se imprime es la sucesión automática de operaciones reguladas. Sólo se puede escapar al proceso de trabajo en la fábrica y en la oficina adecuándose a él en el ocio. De ello sufre incurablemente todo amusement. El placer se petrifica en aburrimiento, pues, para que siga siendo placer, no debe costar esfuerzos y debe por lo tanto moverse estrechamente a lo largo de los rieles de las asociaciones habituales. El espectador no debe trabajar con su propia cabeza: toda conexión lógica que requiera esfuerzo intelectual es cuidadosamente evitada."¹

Años más tarde (1967), Adorno retoma esta idea y la profundiza en el texto "La industria cultural":

"Los comerciantes culturales de la industria se basan, como dijeron Brecht y Suhrkamp hace ya treinta años, sobre el principio de su comercialización y no en su propio contenido y su construcción exacta. Toda la praxis de la industria cultural aplica decididamente la motivación del beneficio a los productos autónomos del espíritu. Ya que en tanto que mercancías esos productos dan de vivir a sus autores, estarían un poco contaminados. Pero no se esforzaban por alcanzar ningún beneficio que no fuera inmediato, a través de su propia realidad. Lo que es nuevo en la industria cultural es la primacía inmediata y confesada del efecto, muy bien estudiado en sus productos más típicos. La autonomía de las obras de arte, que ciertamente no ha existido casi jamás en forma pura, y ha estado siempre señalada por la búsqueda del efecto, se vio abolida finalmente por la industria cultural."²

Adorno y Horkheimer establecen, con esta conceptualización crítica de las producciones culturales difundidas por los medios masivos de comunicación, una clara jerarquización negativa respecto de las obras de arte tradicionales, así como del condicionamiento que ésto supone para los artistas que las producen.

"La industria cultural puede jactarse de haber actuado con energía y de haber erigido como principio la transposición —a menudo torpe— del arte a la esfera del consumo, de haber liberado al amusement de sus ingenuidades más molestas y de haber mejorado la confección de las mercancías. Cuanto más total ha llegado a ser, cuanto más despiadadamente ha obligado a todo outsider a quebrar o a entrar en la corporación, tanto más fina se ha vuelto, hasta terminar en una síntesis de Beethoven con el Casino de París."³

Por ejemplo, dirán respecto a los dibujos animados, como una de las formas en las que la industria cultural "defrauda continuamente a sus consumidores respecto a aquello que les promete":

"Los dibujos animados eran en una época exponentes de la fantasía contra el racionalismo. Hacían justicia a los animales y a las cosas electrizados por su técnica, pues pese a mutilarlos les conferían una segunda vida. Ahora no hacen más que confirmar la victoria de la razón tecnológica sobre la verdad. Hace algunos años tenían una acción coherente, que se disolvía sólo en los últimos minutos en el ritmo endiablado de los acontecimientos. Su desarrollo se asemejaba en esto al viejo esquema de la slapstick comedy. Pero ahora las relaciones de tiempo han cambiado. En las primeras secuencias del dibujo animado se anuncia un tema de acción sobre el cual se ejercitará la destrucción: entre los aplausos del público el protagonista es golpeado por todos como una pelota. De tal forma la cantidad de la diversión organizada se transfiere a la calidad de la ferocidad organizada. Los censores autodesignados de la industria cinematográfica, unidos a ésta por una afinidad electiva vigilan la duración del delito prolongado como espectáculo divertido. La hilaridad quiebra el placer que podría proporcionar, en apariencia, la visión del abrazo, y remite la satisfacción al día del pogrom. Si los dibujos animados tienen otro efecto fuera del de acostumbrar los sentidos al nuevo ritmos es el de martillar en todos los cerebros la antigua verdad de que el maltrato continuo, el quebrantamiento de toda resistencia individual es la condición de vida en esta sociedad. El Pato Donald en los dibujos animados como los desdichados en la realidad reciben sus puntapiés a fin de que los espectadores se habitúen a los suyos."⁴

Con la emergencia del capitalismo financiero y el modelo neoliberal en los años 80 del siglo XX el concepto de industria cultural, se amplió a uno con mayor connotación económica, política y de desarrollo social, el de industrias creativas.⁵ Éste se acuña en 1980 en Australia, pero sólo sería desarrollado en el Reino Unido hasta el primer gobierno de Tony Blair como una estrategia política para abrir nuevos frentes de trabajo, desarrollar nuevos mercados y permitir la inclusión social. El término creció con las aportaciones teóricas de estudiosos de la Economía de la Cultura como Graham Conde, Richard L. Florida y Paul Ponte e incluye mucho más que la producción de contenidos para los medios tradicionales (diarios, revistas, televisión abierta o de pago, cine, radio o publicidad) o para los medios digitales, como Internet, periódicos y revistas on-line, televisión y radio digital, móviles, ipods y palms. Esa es solamente una parte de las industrias creativas que actualmente hacen parte de la Economía de la Cultura. Las industrias creativas incluyen también todas las formas artísticas de la alta cultura a la popular, como la artesanía, el design, el patrimonio cultural, el turismo cultural, los equipos culturales (museos, teatros, cines), así como el trabajo conjunto de la cultura, el turismo y la educación como forma de llegar al desarrollo sustentable.⁶

En el Reino Unido la iniciativa de Blair fue exitosa y las industrias creativas del país representan actualmente el 8% de su PIB. El gobierno inglés creó el Ministerio de las Industrias Creativas en 2006, con la intención de tornarse en el polo creativo del mundo con la exportación de sus productos.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Industria_cultural

Introducción (Televisión y Cultura de Masas)

Introducción

El efecto de la televisión no puede enunciarse debidamente en términos de éxito o fracaso, gusto o rechazo, aprobación o desaprobación. Más bien se debería hacer una tentativa, con ayuda de categorías de la psicología profunda y de un conocimiento previo de los medios para las masas, por concretar cierto número de conceptos teóricos mediante los cuales podría estudiarse el efecto potencial de la televisión, su influencia en diversas capas de la personalidad del espectador. Parece oportuno indagar sistemáticamente los estímulos socio-psicológicos que son típicos del material televisado tanto en un nivel descriptivo como en un nivel psicodinámico, analizar sus supuestos previos así como su pauta total y evaluar el efecto que es posible que produzcan. Cabe esperar que, en última instancia, este procedimiento traiga a luz una serie de recomendaciones sobre el modo de tratar estos estímulos a fin de producir el efecto más conveniente de la televisión. Al revelar las implicaciones socio-psicológicas y los mecanismos de la televisión, que a menudo actúan con el disfraz de un falso realismo, no sólo podrán mejorarse los programas sino que también -y esto es tal vez más importante- podrá sensibilizarse al público en cuanto el efecto inicuo de algunos de estos mecanismos. 

No nos compete la efectividad de uno u otro programa específico, nuestro tema es la naturaleza de la televisión actual y su repertorio de imágenes. No obstante lo cual nuestro enfoque es práctico. Es necesario que las conclusiones estén tan próximas al material y que reposen sobre una base tan sólida de experiencia que se las pueda traducir en recomendaciones precisas y hacerlas convincentemente claras para grandes públicos.  El mejoramiento de la televisión no es concebido primordialmente en un nivel artístico, puramente estético, extraño a las costumbres vigentes. Esto no significa que de entrada aceptemos ingenuamente la dicotomía entre arte autónomo y medios para las masas. Como todos sabemos, la relación entre ellos es sumamente compleja. La rígida división actual entre lo que suele llamarse arte "melenudo" y arte "de pelo corto" es producto de una prolongada evolución histórica. Sería romántico su poner que antes el arte fue puro del todo, que el artista creador sólo pensaba en términos de la coherencia interna de su obra, sin considerar su efecto sobre los espectadores. En especial, el arte del teatro no puede separarse de la reacción del auditorio. A la inversa, vestigios de la pretensión estética de ser algo autónomo, un mundo por sí solo, perduran incluso dentro de los productos más triviales de la cultura de masas. En realidad, la actual división rígida del arte en aspectos autónomos y comerciales es en buena medida, por su parte, una función de la comercialización. Se hace difícil pensar que el lema de l'art pour l'art fuera por azar acuñado en el París de la primera mitad del siglo XIX, o sea, cuando la literatura se convirtió por primera vez realmente en un negocio en gran escala. Muchos de los productos culturales que llevan la marca anticomercial de "arte por el arte" presentan huellas de comercialismo por la atención que prestan al elemento sensacional o por la ostentación ele riqueza material y estímulos sensoriales a expensas de la significación de la obra. Esta tendencia era pronunciada en el teatro neorromántico de las primeras décadas de nuestro siglo.

Fuente: Televisión y Cultura de Masas, Adorno Theodor

Fotos graciosas, atrevidas, locas y asquerosas de borrachos y borrachas #41 (Dogguie.net)

Fuente: http://www.dogguie.net/fotos-graciosas-atrevidas-locas-y-asquerosas-de-borrachos-y-borrachas-41/

Gracias a Dogguie y estas fotos no tomo Alcohol, Gracias

Las inteligencias múltiples (laguia2000)

La calificación de inteligente o no inteligente es muy común que sea atribuida a las personas, desde muy pequeñas dentro del seno familiar, pero sobre todo en el entorno escolar o laboral. Ser inteligente, ya no es como se pensaba en el pasado una capacidad intelectual innata e inmodificable, medible a través de test, sino que implica adaptarse a situaciones novedosas o al ambiente en el que le toca actuar, sortear obstáculos en forma exitosa, evitar ser engañado, relacionar ideas, aprender autónomamente, poseer habilidades artísticas, relacionarse socialmente en firma exitosa, etcétera. 

El psicólogo norteamericano Howard Gardner, nacido en 1943, expuso su teoría de las inteligencias múltiples sosteniendo que las personas tienen en potencia varias inteligencias a desarrollar, algunas más fortalecidas que otras, lo que determina que existan entre los sujetos distintos estilos cognitivos, y a cada uno de ellos debería adaptarse la forma de enseñanza, para no dar solo oportunidad de desarrollo y éxito a quienes sobresalen en matemática o lengua, sino en otras áreas, no muy tenidas en cuenta como deportes, arte o manualidades.

Considera que la inteligencia es una capacidad innata pero no inmutable, que puede desarrollarse a través de la educación, la experiencia y el medio en general.

Para decir que alguien posee alguna de estas inteligencias, sostiene que deben ser observables, progresivas y deben disponer de un sistema simbólico.

Existen para este autor ocho categorías de inteligencia:

1. La lingüística o verbal: que se refleja en la expresión oral y escrita; en la riqueza del vocabulario, en la redacción, en la lectura de un cuento, en la recitación de una poesía. Puede advertirse esta inteligencia en aquellos niños que tienen facilidad para los crucigramas.

2. La lógico matemática: agrupar y seleccionar datos, ordenarlos y reordenarlos, realizar cuentas y todo tipo de cálculos. Se visualiza en su preferencia por juegos de estrategias y experimentales.

3. Corporal: son habilidades relacionadas con el uso y manejo de cuerpo, como cualquier deporte, danza o trabajos manuales.

4. Musical: Es uno de los talentos que según Gardner primero se despierta. La sensibilidad para distinguir los sonidos musicales, y ejecutar y componer melodías.

5. Espacial: se relaciona al mundo concreto y la capacidad de visualizar su ubicación, por ejemplo, se refleja en las artes visuales, y en juegos como armado de rompecabezas o ajedrez

6. Interpersonal: se refiere a las relaciones sociales, a la capacidad de liderazgo, a la de diálogo y de entablar lazos positivos con otras personas.

7. Intrapersonal: es aquel que tiene la aptitud de conocerse a sí mismo, sus fortalezas y debilidades, lo que contribuye a su mejoramiento personal.

8. Naturalista: Se refiere a la aptitud para comprender y analizar los fenómenos naturales. Es muy común en los jardineros, biólogos o geólogos.

Lee todo en: Las inteligencias múltiples | La Guía de Educación http://educacion.laguia2000.com/estrategias-didacticas/las-inteligencias-multiples#ixzz2bOCLsBgy